Nacido en Montevideo en 2019 e integrado por Emilia Benia en voz, Leticia Gambaro en viola y Belén Insausti en guitarra y composición, el trío Ninguna Higuera se ha ganado un lugar propio en la nueva canción uruguaya apostando a una formación poco convencional. Con cruces de rock, arreglos corales y una profunda atención por la poesía —recorridos que van desde sus primeros discos hasta el premiado Metanlé de 2025—, el proyecto prioriza las canciones que las conmueven a ellas mismas antes que cualquier fórmula. En la previa de su participación en el ciclo Partículas en la Sala Verdi junto a Guadalupe Calzada, el grupo repasa su forma de componer como un ejercicio de amistad, las influencias que van de Lucy Patané a Idea Vilariño y el motor de seguir tocando desde la confianza.
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Ninguna Higuera nació en 2019 apostando por una instrumentación poco habitual de voz, viola y guitarra. ¿Cómo surgió la idea de construir el trío desde esta combinación tímbrica y de qué manera fue moldeándose esa identidad sonora donde conviven el rock, la música popular y los arreglos corales?
Surgió naturalmente a partir del compartir cotidiano de la música como compañeras y amigas, acercándonos desde los puntos en común que tenemos las tres. La mirada estética, la forma de trabajar, la experimentación al momento de hacer los arreglos, el no estar cerradas a ninguna opción antes de probar sus posibilidades. Por supuesto que nos interesó también combinar los universos que cada una traía y aprender del bagaje musical de la otra.
Ahí creo que encontramos algo interesante que nos sigue enamorando y maravillando.
A lo largo de su recorrido discográfico —pasando por Sin tiempo ni persona, Obra en construcción y la consolidación con Metanlé en 2025—, el proyecto ha mantenido un eje claro en la palabra y el diálogo narrativo. ¿Cómo evoluciona la forma de componer e interpretar dentro del trío a medida que las canciones cobran rodaje y habitan nuevos escenarios?
Va creciendo y cambiando como crecen las personas y los colectivos. Cada vez es nuevo y maravilloso. Tenemos prendida la posibilidad de curiosidad y asombro, que es algo importante para componer y hacer música.
Nos interesa intentar no repetirnos y apostar a hacer algo que nos convenza y conmueva a nosotras mismas. Cuando nos convence nos damos cuenta enseguida y no nos cabe dudas.
Tocar desde la seguridad y la confianza en la música y las personas que la generan, provoca en las personas una sensación similar y eso en nuestra experiencia es lo que el público busca o encuentra cuando nos escucha en vivo.
En el marco del ciclo Partículas, esta fecha las reúne en escenario junto a Guadalupe Calzada en un encuentro dedicado a la canción y las vertientes populares de la región. ¿Cómo se preparan para este cruce de universos y qué significa para ustedes formar parte de plataformas que visibilizan la diversidad de la música independiente?
Este ciclo en la Sala Verdi, hermosa sala con gran trayectoria y conscientemente abierta hacia la música popular desde hace no tanto tiempo, es un verdadero honor para nosotras.
Con Guadalupe Calzada hace tiempo queremos trabajar juntas, nos conocemos hace muchos años, hay mucha historia musical y personal vivida y una gran alineación estética y de trabajo también. Estamos preparando un espectáculo significativo, pensando en la experiencia del público, intentando transmitir hacia quien está allí presente viendo y escuchando, esa experiencia de curiosidad y asombro que comentaba antes.
Pensando en las inspiraciones, poéticas y sonoridades que nutren el ecosistema de Ninguna Higuera, ¿cuáles han sido esas grandes referencias o lecturas que continúan alimentando la búsqueda creativa de la banda?
La guitarrista, compositora y productora argentina Lucy Patané, desde su empuje de tractor, su fuerza y presión en la sonoridad de la banda, sus ideas en los discos y su discursividad, es un punto concreto y ejemplificable que tenemos las tres.
La poesía por supuesto es una pata fundamental en las canciones, que no es independiente de lo que está sonando, muy por el contrario música y letra son hermanas (son sí mismas) y cooperan entre sí. Cada decisión en la construcción de las músicas es deliberada, tomada con responsabilidad y respeto hacia el arte, la escena local y la gente que la va a escuchar.
Creo que ese trabajo es claro, nos define y se percibe.
Concretamente Idea, Circe, Juana, John Cage, Pizarnik y algunos de nicho de la década del ‘80 de ediciones de Uno que heredé de un finado y me cambiaron la vida.
Para cerrar, si tuvieran que elegir una obra de su catálogo que condense de manera cabal la esencia actual del trío y funcione como carta de presentación para quien se acerca por primera vez a su propuesta, ¿cuál elegirían y por qué?
El Suncho, porque tiene fuerza, humor, movimiento, música alegórica a lo poético (lo que hablaba antes) y lenguaje de la vida común.
